Généalogie d’une rencontre

J’ai découvert, sur l’écran d’un ordinateur qui avait déjà bien baroudé, les premières images et poèmes qui composent l’« album Louis Noir », puis l’histoire de son auteur.

Nous étions deux Doctorants, coincés dans trois place d’un avion long courrier, un peu fatigués du stress consécutif de la déterritorialisation croisée rentrant chez moi, lui venant enseigner.

Si nos sujets de thèses semblaient ne rien avoir en commun, traitant respectivement de littérature poétique, et de philosophie de l’art, il y avait cependant une gravure.

Deux perspective sur des mondes spécialisés, qui trouvèrent un point d’achoppement, et si selon Gilles Deleuze, on ne fait pas de rencontre avec les gens mais avec les œuvres, ici la seconde permis le première.

Il faut alors développer la généalogie de cette rencontre.

Tristan Corbière s’était risqué à un frontispice au dessin assez libre dans une technique des plus exigeantes, la gravure. Mais sa poésie fut l’objet d’illustrations.

Ainsi, il y avait Jean-Pierre Velly, véritable clef de voute entre la poésie et la gravure, ayant eu pour projet d’illustrer Les amours jaunes. C’est lui qui avait recommandé en Italie à Michel Random de rencontrer Philippe Mohlitz. Celui-ci absent, étant à la Casa Velasquez, fit place à George Rubel (que j’ai eu le privilège de rencontrer chez René Tazé lors de contrôle d’impression) qui lui fit rencontrer grande partie de ceux qui sont devenus les Visionnaires Français. Ce monde de l’estampe visionnaire s’entrechoquait alors avec celui d’une poésie qui aurait pu le devenir. Vision d’un monde direct, avant le retournement introspectif donnant l’œuvre mentalisée.

Et il y avait également Jean Moulin, sur une photo duquel j’avais travaillé le rapport entre l’image vernaculaire et son lien à la peinture, ( peut-être une publication à venir) qui fut également l’auteur d’une illustration gravée des Amours Jaunes de Tristant Corbiére.

Une vie, c’est parfois des moments d’ enchantements, permis seulement par l’ouverture à l’échange . Ainsi, je ne saurais qu’ être reconnaissant de cette confiance qui me fut accordée pour cette publication, à laquelle j’espère avoir apporté autant qu’elle m’a ouvert une perspective sur une généalogie esthétique.

Merci particulièrement à Benoît Houzé pour la confiance qu’il m’ à accordée et la liberté laissée pour la rédaction de ce commentaire d’image.

Du désenchantement à l’impossibilité d’ écrire un poème après Auschwitz

Les Visionnaires semblent avoir participé à la volonté de  ré-enchantement du monde par la constitution d’une production exigeante.

François Houtin

Si les paysages ont subi les cicatrices laissées par les conflits détruisant les Hommes il semblait possible de faire émerger par l’art un  goût nouveau à partir de la tradition artistique.

Car  graver c’est être au présent le résultat d’une histoire, des hommes et de leur production artistique dont le fil s’est déroulé des origines jusqu’à nos jours sans jamais discontinuer, tissé sans cesse par de nouvelles techniques tendues par les attentes des artistes aux époques données. Il doute alors que le graveur qui prend sa place dans cette continuité gagne l’indépendance permise par un quasi stoïcisme sur l’histoire qui le mène à sa propre production, enrichie sans cesse  par l’image en reflet, le miroitement du contexte sur le poli du cuivre, dont le souvenir s’achève seulement dans la rayure, coup de couteau métaphorique fait dans son reflet pour permettre l’avènement de l’image. C’est dans cette violence imagée faite à soi-même que nait la transcription matérielle  d’une perception mentale inscrite de manière contradictoire dans un présent reprenant un javelot lancé par les artistes d’une tradition passée, s’affirmant dans les nécessités visuelles, visionnaires d’une production contemporaine à la croisée des chemins entre peinture et photographie dont la richesse du renouvellement contemporain des pratiques a été indiscutablement marqué par le début du XX° siècle.

 

En distinction de ces deux disciplines, la gravure s’est avérée visionnaire, par la torsion imposée par l’artiste aux conséquences d’un contexte dont il a été tributaire, s’attachant non à illustrer mais à traduire dans un langage visuel, les pulsions rêvées, inhérentes à la renaissance contemporaine de moyens de production extrêmement anciens.

L’art des visionnaires est le principal instigateur de cette renaissance, dont les images sont souvent la traduction entre vie et mort. L’âme du mouvement déplace les lignes de fuite d’une simple intendance. Le corps s’anéantit dans une pesanteur évanescente laissant place à une vision transfigurée d’une image. Celle-ci étant le reflet d’un être au monde, dont la trace archéologique s’affirme dans le sillon laissé par les outils sur les supports marquant les états, parfois d’âmes, d’un homme affirmant une vision au monde duquel il appartient, se détache ainsi d’une prégnance que seule la transcription du rêve, action postfreudienne, permet de se libérer, tout en maintenant la part primordiale de poésie. Plus vague et plus soluble que l’illustration, les visionnaires, deviennent par delà l’art de la transcription photographique et de l’invention « picturale »  les tenants d’une production essentielle.

Le fil de création tissé par l’artiste, à  l’image du fil de vie des moires, s’enchevêtre métaphoriquement pour constituer l’âme d’artistes tiraillés par des pulsions de vie et de mort dont la transcription s’affirme dans l’image d’une vision, trace d’un abandon de conscience.

Philippe Mohlitz, Master II UFR d’ Histoire de l’art, Paris Sorbonne 4, Racine  Xavier-Aurélien, 2015/2016

 

Cependant, la promesse ouverte par Random s’est trouvée confrontée à un monde dont l’horreur de l’histoire avait provoqué la nécessité d’un rejet allant jusqu’au détachement avec les forme constituées.

Jean Fautrier : L’écorché, (Les Otages, Le Grand Otage), 1944, Centre Pompidou.

Plus la société devient totalitaire, plus l’esprit y est réifié et plus paradoxale sa tentative de s’arracher à la réification de ses propres forces. Même la conscience la plus radicale du désastre risque de dégénérer en bavardage. La critique de la culture se voit confrontée au dernier degré de la dialectique entre culture et barbarie : écrire un poème après Auschwitz est barbare, et ce fait affecte même la connaissance qui explique pourquoi il est devenu impossible d’écrire aujourd’hui des poèmes.


Prismes, p. 26
Theodor W. Adorno

Depuis l’antiquité c’est avec « le bouclier d’ Aristote » que l’ art occidental  s’est constitué à l’image de la poésie, comme l’ objet d’une mimésis et d’un discours. L’art est à l’image de la nature, mais constitué par des artifices ayant pour fonction de remplacer la spontanéité de l’être au monde ou dans le monde.

C’est en cela qu’il est devenu insupportable d’ envisager l’ art comme imitation du réel ou comme discours séducteur. Après ce qui fut l’ effondrement ultime de l’Humanité, dans la violence de son objectivité , de sa systématisation, de sa mécanisation c’est la possibilité même de l’art qui s’est trouvé questionné.

Le XXe siècle est allé jusqu’à l’idée de la mort de l’art, thème s’ imposant chez Picabia et Duchamp.

Francis Bacon, Pape Innocent X, 1953

A voir la violence des  artistes envers l’objet de leurs productions contemporaines et consécutives à ce traumatisme laissé par l’incompréhension de l’indicible on perçoit à quel point tout art authentique ne peut dans le perspectivisme de la tradition, qu’être désenchanté.

Il ne reste que l’objectivité, celle du donné pour recevoir l’image comme un encore possible. Dans cet Atlas mental qui se constitue par la multiplicité des rencontres entre un regard et un objet, s’élabore une nouvelle esthétique   dématérialisée, centralisée sur la « captation des forces ».

C’est la peinture comme captation du geste sur le support et la photographie comme captation de l’évènement dans l’espace et le temps qui ont dès lors donné la direction de l’objet du contemporain dans l’art .Le spectateur se trouve face à l’objet factuel d’une objectivité déchirant la représentation pour révéler le réel.

 

Hommage à Philippe Mohlitz

Gravure de Philippe Mohlitz

Je suis triste d’ apprendre que pour Philippe Mohlitz, c’est « La fin du voyage ».

Désarmé face à l’irrémédiable, nous pouvons encore rendre hommage à l’intellectuel de l’image qui voulait imposer le détachement du concret, du factuel pour adopter une attitude d’ esthète, dont il opposait la sensibilité à l’émotion produite par l’estampe, au fonctionnaire de l’image, enclin à la justification systématique.

Rendre compte, c’est avoir une emprise sur l’image, pensait-il, raison pour la quelle il avait fait le choix d’un pseudonyme.

Comme il le souhaitait de son vivant, l’ homme s’est effacé devant l’œuvre, encore si puissante, riche de sa complexité, de ses détails, de sa virtuosité à saisir dans l’intemporel, l’air du temps.

Si j’ai vouvoyé l’ homme et tutoyé l’image, cette découverte d’un univers riche comme un Atlas, ouvrant une fenêtre sur l’histoire, révèle dans une pratique ancienne la force d’un artiste qui nous a été contemporain.