“Rihanna a reproduit la séquence de body-painting que j’avais faite avec Keith Haring. Mais là où il peignait directement sur mon corps, elle utilise une combinaison peinte. Voilà la différence. Elle dresse une barrière entre la peinture et sa peau.” ( “Je n’écrirai jamais mes mémoires”, Grace Jones, Editions Séguier)
Avec Grace Jones, l’esthétique est prise dans une ontologie appelée à faire corps avec le monde, actualisant dans les rapports particuliers une recherche d’universalité principielle et fondamentale . A l’image ” The Pillow Book”, de Joel Peter Greenaway le corps est la surface d’inscription de l’ œuvre au monde, faisant de la relation créatrice émanation de l’universel par delà la conceptuelle corporéité de l’ œuvre.
Du corps “hors race et hors genre”, “Ma tête rasée me faisait paraître plus abstraite, moins liée à une race, un sexe ou une tribu spécifique.” désubstantialisé à l’image du “corps sans organes” à l’émergence de l’ œuvre, il devient la synthèse permettant la métamorphose de l’être en sa représentation Idéale.
L’affirmation de la représentation annihile le réel au profit d’une sur-réalité transgressive, transhistorique, transgenre, transdisciplinaire.
Ainsi, Grace Jones c’est la reine de la nuit New Age, androgyne et à la croisée des univers exprimant tout à la fois une personnalité affirmée et romantique.
C’est l’expression d’une vie qui se traduit dans et par la représentation figurée dans le paraître au monde, travaillant à libérer les possibles des figures de styles imposées.
Grace Jones est née en 1948 à Spanish Town en Jamaïque dans une famille engagée en politique et dans le pentecôtisme, cadre stricte.
Mannequin, chanteuse, actrice, égérie, elle est la croisée des regards, composant entre troisième œil et œil américain, l’image d’une femme forte. “ Certains artistes séduisent le public, flattent le public, implorent le public, Grace, vous violez le public, votre spectacle est un assaut sexuel.” “Dinah Shore Show”, Orson Welles .
Construction d’une image, véritable peau de représentation qu’elle revêt pour se donner à voir. Robert Mapplethorpe, Andy Warhol, Keith Haring, Jean-Paul Goude (avec qui elle aura un fils) ont tissé l’étoffe d’une représentation forte de la femme libre et autonome, qui par delà les fétichismes, et scandales comme “Do not feed the animal” délivre l’affirmation d’un féminisme viril.
Ainsi, Grace Jones, c’est la première femme d’avant son apparition. Lilith avant Ève, celle qui à l’égal de l’homme s’affirme et s’impose dans sa vie comme dans sa sexualité. Thème si important qu’on en retrouve une représentation dans la production de Gerhard Richter.
Grace Jones produit une oeuvre d’art total, et questionne les modalitées de l’art plastique par sa recherche d’une héterogenéité de couleur de peau, de genre, aboutissant à l’éclatement de la figure. Comme effective avec Francis Bacon, Bill Brandt et André Kertész la dillution de la forme dans le fond constitue une déformation optique révélatrice du rapport du corps dans l’espace.
Philippe Mohlitz comme Paul Gonez travaillent les nouveaux alliages de la matière, sur la base du métal comme surface révélatrice de la représentation. Ce matériau qui résiste aux aléas du temps, au passage sous presse, à l’érosion, fut l’objet de deux productions distinctes dont on peut constater des passerelles tendues par l’esprit d’une époque .
C’ est dans un même élan que l’objet de composition qui réunit ces deux œuvres les distingue également.
Philippe Mohlitz construit sa représentation par la composition d’un agencement caractéristique de la peinture ou de la photographie. Les formes sont maintenues dans leur être mais c’est l’association de ces ontologies contradictoires, indépendamment des rapports d’échelle ou de possibles, qui font émerger l’étrange étrangeté caractéristique d’un mode de production déjà utilisé par le mouvement Dada et les Surréalistes. L’image permet de donner vie à une narration dont le spectateur est le témoin.
Paul Gonez développe son travail à l’aune d’une autre méthodologie. Les formes se juxtaposent, se synthétisent dans une métamorphose aboutissant à l’émergence d’un nouvel être. La sculpture se constitue de la synthèse des images mentales figées dans le matériau, nous confrontant à la poésie, peut-être un peu angoissante à l’aune du film « the thing » dont John Carpenter multiplie les modalités d’ apparitions. L’objet confronte le spectateur à l’apparition d’un nouvel être.
C’est toute la distinction entre la sculpture et la peinture qui peut être réinvestie dans cette comparaison.
Par delà la méthodologie -association ou hybridation- les chimères prennent vie et déplient de nouvelles modalités d ‘expressions ontologiques. Les artistes composent à partir d’un Atlas de formes des œuvre qui entrent en résonnance dans un Atlas de significations. Bien que ce qui a provoqué ces intuitions esthétiques à disparu avec l’air du temps, il nous reste l’évidence du résultat.
Un bras mécanique vient pointer le corps d’une femme tel une vision moderne de la peinture de Michel Ange à la chapelle sixtine présentant la création d’ Adam. Lilith d’avantage qu’ Eve ne semble pas redevable d’un homme. Cette vision, d’un féminisme affirmé, est révélateur de nouveaux enjeux de société.
Le touché, Mohlitz
Une femme, telle une amazone, chevauche une chimère composée d’un doigt et d’un escargot. Ici, la création est immanente à la nature. Nous n’insisterons pas sur le coquillage, dont la construction extrapolée de la suite de Fibonacci rappelle le nombre d’or symbole de perfection plastique.
Paul Gonez
Paul Gonez
Il est à noter que dans les deux œuvres, le modèle arbore la même pose.
Une autre œuvre pointe une thématique proche. “Le triomphe de César” montre un insecte qui enlace une jeune femme dont la forme des cheveux rappelle des yeux d’ insectes . Le buste de César, grâce à la perspective par plans, constitue un membre d’une chimère contemporaine. Du trait net du burin sur le haut de l’image, l’on passe à l’aspect plus flou, d’avantage « baveux » caractéristique de la pointe seiche, en disant long sur le triomphe en question.
La sculpture condense la narration dans la personnification de la chimère, objet de la rencontre avec le spectateur. Les reflets de ces grand yeux nous font nous voir regardant, ce qui reste tout de même l’objet d’un danger, la métamorphose d’une femme en mante.
Dans les œuvres des deux artistes, la métamorphe est un processus en devenir.
La mort chevauche un insecte dans l’invasion. Au passage elle salue le spectateur en lui levant son chapeau, comme pour rappeler que malgré l’urgence, personne n’est épargné. Sortie droit d’un Western que Mohlitz affectionnait, cette chevauchée « fantastique » révèle le pouvoir visionnaire d’un artiste engageant le réel dans la représentation.
Comme pour l’image précédente, la sculpture condense la narration dans la personnification d’ une chimère. Si le corps féminin est lisse de toute imperfection, la mort est également présente dans les parties animales. La tête d’oiseau est un crâne, masque des deuilleurs mettant fin à toute ontologie.
Dans un œuf, s’apprête la naissance d’un oiseau « mort-né »
Il arrive que la rencontre soit dans les détails.
« Planche ou je me suis perdu » de 1972, est riche de détails, dont seule l’attention accrue peut en révéler l’existence à un spectateur dérouté.
Enchâssé dans une nature abondante paraît un visage, ruine d’une fresque dont nous ne percevons maintenant que le nez et la bouche au milieu d’une nature l’ayant recouverte de racines et de feuillages.
L’éveil de Paul Gonez recouvre le visage d’ éléments naturels faisant rhizome avec le contexte de la sculpture.
Pour conclure, j’écrivais en 2014-2015 sur la scénographie de la sculpture dans l’œuvre gravé de Philippe Mohlitz.
« La Vénus de Milo, majestueuse du Louvre se fissure chez Mohlitz pour devenir la Vénus à terre du photographe Nobuyoshi Araki ; et les ailes déployées de la Victoire de Samothrace se referment chez Mohlitz pour laisser place à une superbe victoire. Mais César se transforme en immense cafard dont les pattes commencent à enserrer la belle déesse, métamorphosant le bras gauche, comme la sculpture de Paul Gonez, Besançon, 1974. Les vénus sont déchues de leur statut de déesse. Même si le symbole demeure, il nous parle de femmes, de leur souffrance dans un état des lieux corporel qui en dit long sur leur vécu mais aussi sur leur possible représentation à l’époque contemporaine. Les Venus dessinées par Mohlitz, dans leur aspect sculptural, se déchirant ou se décomposant, même si elles suscitent répulsion et admiration, ne perdent en rien de leur splendeur. […] »
Cette proposition de confrontation entre l’œuvre sculptée de Paul Gonez et l’œuvre gravé de Philippe Mohlitz et d’autant plus forte que, ainsi que je m’y était engagé auprès de Mohlitz, le M2 serait soumis à son approbation avant restitution universitaire. Ici, j’ ai prolongé et finalisé une intuition déjà forte à l’époque.
Cette mise en confrontation des productions de ces deux artistes correspond à une période et une perspective de leur travail, liant dans leurs propres parcours, un Atlas de représentations duquel ils puisent les bases d’une esthétique renouvelée.
Le travail de Paul Gonez évolua vers l’abstraction par le prisme de la capture des forces, caractéristique de l’ouverture de sa production à la rencontre esthétique.
Pour suivre le travail de Paul Gonez , le lien est dans les favoris.
La rencontre faite tout à la fois avec l’œuvre ainsi que l’homme, Mohlitz m’a insité à apprendre l’art exigeant du burin.
Pour ce qui est de la forme, c’est dans ce goût du temps passé à la réalisation ainsi que de l’exigence de la pratique s’est trouvé traduit dans la réalisation de cette troisième plaque imprimée par René Tazé à son atelier en 2015, sous l’aimable conseil de Georges Rubel. Si le taille-doucier a imprimé les plus grands, le jeune graveur n’y a pas trouvé les conseils nécessaires à l’élaboration d’une série. L’image est alors restée orpheline, matérialisée seulement dans un test.
Xavier-Aurélien Racine, Métamorphose, Burin, 24*30 cm, 2015
Pour ce qui est du fond, une généalogie des représentations montre que depuis le Moyen-âge, et les grandes épidémies, le corbeau doté d’un instinct charognard, est dans la représentation occidentale un symbole de mort.
La Balade des pendus de François Villon se fait l’image de cette réalité.
[…]
La pluie nous a détrempés et lavés,
Et le soleil desséchés et noircis ;
Pies, corbeaux, nous ont les yeux creusés,
Et arraché la barbe et les sourcils.
Jamais, nul temps, nous ne sommes assis ;
Puis çà, puis là, comme le vent varie,
À son plaisir sans cesser nous charrie,
Plus becquetés d’oiseaux que dés à coudre.
Ne soyez donc de notre confrérie,
Mais priez Dieu que tous nous veuille absoudre !
[…]
En 1943, Le Corbeau de Henri-Georges Clouzot montre le climat de diffamation et de délation dans une petite ville de province. Les petits agencements révélant les grands, c’est l’image en reflet d’une société qui se traduit dans ce film montrant dans la soumission à l’autorité l’expression des haines mesquines exprimées dans les lettres.
Il en est de la conclusion comme de l’histoire, une victime finit par être emportée dans le tourbillon “des malentendus”, et l’ambulance emmène celle dont les propos font bégayer la représentation face à une réalité composée par l’œil caléidoscopique
Le Corbeau, c’est aussi l’espoir, celui de la résistance dont les maux ont été mis en musique par Anna Marly dans le chant des partisans.
Ami, entends-tu le vol noir des corbeaux sur nos plaines
Ami, entends-tu les cris sourds du pays qu’on enchaîne
Ohé, partisans, ouvriers et paysans c’est l’alarme
Ce soir l’ennemi connaîtra le prix du sang et des larmes.
[…]
Du désespoir face à l’insoutenable, à la révolte, le corbeau lance un cri mettant le spectateur vis-à-vis de sa propre image, déterminant dans le possible une perspective d’action .
