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Ceci n’est pas une peinture, ceci n’est pas une photographie

Helmut Berger

Autrichien, Helmut Berger de son vrai nom Helmut Steinberger est né le 29/05/ 1944 à Ischl en Autriche.

Xavier-Aurélien Racine, Helmut Berger, 29/09/2021

C’est la rencontre en 1964 qui a constitué le parcours de création entre Luchino Visconti et Helmut Berger.

Œuvre et amour mêlés constituent la trace d’une relation dans un monde tourmenté.

De l’homme à l’œuvre, c’est le regard de Luchino Visconti, qui a déchiré l’écran du réel pour donner à voir son interprétation de l’histoire sociale. De l’œil américain au troisième œil, c’est l’œuvre qui révèle la vision grâce à performance d’Helmut Berger.

Par le différentiel potentiel, la rencontre constitue l’expression des possibles permettant l’émergence de l’œuvre par la construction du désir mutuel différencié.

C’est l’aspiration à participer à un ensemble qui ouvre le désir au sens Deleuzien et qui constitue le ferment nécessaire à l’apparition de l’objet esthétique.

Claire Parnet : alors le désir c’était quoi exactement ? Prenons la question le plus simplement du monde, quand l’anti-œdipe…

GD : ce n’était pas ce que l’on a cru, c’est sûr, ce n’était pas ce que l’on a cru même à ce moment-là, même les gens les plus charmants qui étaient… ça été une grande ambiguïté, ça été un grand malentendu. Un petit malentendu. Moi, je crois que l’on voulait dire une chose de vraiment très simple. Si on avait bien une grande ambition, à savoir que jusqu’à ce livre, quand on fait un livre, c’est qu’on prétend dire quelque chose de nouveau. On prétendait que d’une  manière ou d’une autre, les gens avant nous il n’avaient pas bien compris ce qu’était le désir, c’est-à-dire que l’on faisait notre tâche de philosophe, on prétendait proposer un nouveau concept de désir, mais dans les concepts il ne faut pas croire, il ne faut pas que les gens qui ne font pas de philosophie croient que c’est très abstrait ; créer un concept, au contraire, ça renvoie à des choses extrêmement simples, extrêmement concrètes, on le verra, presque ça renvoie à … Il n’y a pas de concepts philosophiques qui ne renvoient à des déterminations non philosophiques, c’est très simple, très concrètes. Ben, on voulait dire la chose la plus simple du monde, on voulait dire, jusqu’à maintenant, vous parlez abstraitement du désir parce que vous extrayez un objet supposé être l’objet de votre désir. Alors, vous pouvez dire, je désire une femme, je désire partir, faire tel voyage, je désire ceci, cela. Et nous on disait une chose très simple, vraiment simple, simple, simple, vous ne désirez jamais quelqu’un ou quelque chose, vous désirez toujours un ensemble. Ce n’est pas compliqué. Et, notre question c’était, qu’elle est la nature entre les rapports entre des éléments pour qu’il y ait désir, pour qu’il devienne désirable ? Je vais dire je ne désire pas une femme, là j’ai honte de dire des choses comme cela, c’est Proust, l’a dit, est c’est beau chez Proust, Je ne désire pas une femme, je désire aussi un paysage qui est enveloppé dans cette femme. Paysage qui au besoin, je ne connais pas, que je pressens, et tant que je n’aurai pas déroulé le paysage qu’elle enveloppe, je ne serai pas content, c’est-à-dire, mon désir n’aura pas abouti, mon désir restera insatisfait. Alors, je prends un ensemble à deux termes, femme paysage. Mais c’est tout à fait autre chose. Quand une femme dit je désire une robe, je désire ça, telle robe, tel chemisier, mais c‘est évident qu’elle ne désire pas telle robe, tel chemisier dans l’abstrait, qu’elle le désire dans tout un contexte, qui est un contexte de vie à elle qu’elle va organiser. Le désir, en rapport non seulement avec un paysage, mais avec des gens qui sont ses amis, ou avec des gens qui ne sont pas ses amis, avec sa profession, avec etc… Je ne désire jamais quelque chose de tout seul. Je désire, bien plus, je ne désire pas un ensemble non plus, je désire dans un ensemble. […] Il n’y a pas de désir qui ne coule dans un agencement. Si bien que le désir ça a toujours été pour moi si tu veux, si je cherche le terme abstrait qui correspond à désir je dirais c’est constructivisme. Désirer c’est construire un agencement, c’est construire un ensemble, l’ensemble d’une jupe, d’un rayon de soleil, [Claire Parnet : d’une femme] d’une rue, voilà. L’agencement d’une femme, d’un paysage, [Claire Parnet : d’une couleur], d’une couleur, voilà ce que c’est un désir, c’est donc construire un agencement, c’est construire une région, c’est vraiment agencer. Le désir c’est vraiment du constructivisme, je dis alors, nous l’anti-œdipe, qui était …

Claire Parnet : c’est justement parce que c’était un agencement que tu as eu besoin à ce moment-là d’être deux pour écrire. C’est dans un ensemble qu’il fallait Felix qui a surgi à ce moment-là de ta vie d’écrivain ?

Est-ce que Felix, là, ça ferait aussi partie de ce que l’on aura peut-être à dire à propos de l’amitié, du rapport de la philosophie avec quelque chose qui concerne l’amitié. Mais surement qu’avec Felix on a fait un agencement, oui ça, il y a des agencements tous seuls, encore une fois, puis il y a des agencements à deux. Felix, tout ce que l’on a fait avec Felix, c’est un agencement à deux, où quelque chose passait entre les deux. Tout ça c’est des phénomènes physiques, C’est comme une différence, pour qu’un événement se passe, il faut une différence de potentiel, pour qu’il y ait différence de potentiel, il faut qu’il y ai deux niveaux, il faut qu’il y ait deux, à ce moment-là quelque chose se passe, un éclair passe, ou pas un éclair, ou un ruisseau, un petit ruisseau, bien, et c’est du domaine du désir, mais un désir c’est ça, c’est construire, or chacun de nous passe son temps à construire, pour moi chaque fois que quelqu’un dit je désire ceci, ça veut dire qu’il est en train de construire un agencement, et c’est rien d’autre, le désir ce n’est rien d’autre. »

Abécédaire Gilles Deleuze, D comme Désir

Le désir est l’émergence du possible exprimé par l’aboutissement de la rencontre dans une production dépassant les protagonistes de l’œuvre.

Si le réalisateur ne peut maitriser l’ensemble des composantes constitutives de l’émergence de l’image il compose avec le charme mutuel constituant le désir commun de l’émergence de l’objet nonobstant les enjeux particuliers à chacun.

Les Sorcières (Le Streghe) de Luchino Visconti en 1967

Les Damnés de Luchino Visconti en 1969

Ludwig ou le Crépuscule des dieux de Luchino Visconti avec Romy Schneider, 1972

Violence et Passion de Luchino Visconti 1974

Trait commun des artistes, autant de Léonard Cohen que de Helmut Berger, ils sont tributaires de la Fortune définie par Machiavel, sans laquelle rien de ce qui a trait au développement social n’est possible.

Ceci n’est pas une photographie – Apollon en scaphandre intergalactique (hypotheses.org)

Si l’amour rend aveugle, il n’a pas empêché Luchino Visconti de voir dans Helmut le potentiel que la relation commune a révélé au cinéma, montrant par-delà le rôle, la richesse des expressions de l’acteur répondant au réalisateur.

Les deux potentiels se sont complétés dans la création révélant l’œuvre dans une vision croisée.

Image à dessein

Make tomorrow

Xavier-Aurélien Racine, 18/05/2022

Put on the dress in which you were married
Pull down the veil til your eyes are hid
Can you remember where we both came from
Let us do as we did

Look at tomorrow today
Making tomorrow today
Making tomorrow today
Making tomorrow today
Make tomorrow
Make tomorrow
Make tomorrow today
Make tomorrow
Make tomorrow
Make tomorrow today

Put back the photo under your window
Put down the phone that you hold in your hand
Put away these things that stand in between us
Let us be what we can
When it seems
Hopeless
When it seems

Hopeless

Make tomorrow
Make tomorrow
Make tomorrow today
Make tomorrow
Make tomorrow
Make tomorrow today
Make tomorrow
Make tomorrow
Make tomorrow today

What better measure of what you were doing here
Then what you can leave behind
All the children of your children’s children
Do you ever think what they’re going to find
Make tomorrow
Make tomorrow

Where the sacred meet the scared
Make tomorrow
Make tomorrow
Where the dreamer’s dream is dared

In each of us
A dream can burn like the sun
Let’s try it all one more time
To get this lesson learned

Sitting up in a spaceship
Looking down at the earth
You wonder what they all stuggling for
What’s it all really worth
Making tomorrow today
Making tomorrow today
Make tomorrow
Make tomorrow

Peter Gabriel

La fonction d’incises chez Philippe Mohlitz

Avertissement au lecteur. Ici la posture analytique ne porte ni sur le fond, ni sur la forme de l’image mais sur ce qui la compose intrinsèquement

Chuck Close utilisait l’information minimum de l’outil photographique comme structure de l’image. A la mise au carreau picturale répondait celle numérique caractéristique au capteur. A l’apparition de la matérialité photographique répond un premier degré de l’image constituant la base d’un second, dissimulant en trompe l’œil la vérité de l’œuvre.

“L’art est le propre de la vie.” Friedrich Nietzsche – Apollon en scaphandre intergalactique (hypotheses.org)

Mohlitz a la particularité d’utiliser le carré, le rectangle comme un élément structurant de l’apparition d’un décalage signifiant dans l’image.

Produire c’est engager au monde une représentation destinée à traduire une vision. L’œuvre gravé de Philippe Mohlitz constitue cette confrontation entre l’art classique et contemporain, entre les pays dits « développés » et en « développement » entre l’écologie et la production nucléaire et ses déchets à long terme, entre l’amour et la solitude.

Le paradoxe est source de langage symbolique, de métaphore, de raccourcis visuels, de confrontations induisant à l’émergence du sens, dont le degré d’interprétation est à la responsabilité du spectateur dont la culture seule permet la compréhension.

Enjeu dans le cubisme de Mohlitz, l’incise fait paraître le problème dont la mise en présence est révélatrice.

Fond et forme se complètent dans l’apparition.

Plus que de répondre à l’invective lancée par Cézanne « Traitez la nature par le cylindre, la sphère, le cône, le tout mis en perspective, que chaque côté d’un objet, d’un plan, se dirige vers un point central » (Lettre de Cézanne à Emile Bernard du 15 avril 1904.) Mohlitz la complète de l’exigence Visionnaire imposée par Bresdin de l’expression d’une vision intérieure.

Mise au carreau

L’Atelier gravé en 1989 représente un peintre de cour, véritable symbole de la maitrise académique, personnifiant un souverain. Entre l‘image sur toile magnifiant la force et la bravoure, comme tenant la gueule du tigre dans la main et le modèle perclus, effondré sur un fauteuil, apparaît le peintre, véritable propagandiste avant l’heure, trahissant le réel pour en renverser la figuration et servir ceux qui dans l’ombre même de la gravure conseillent et dirigent. L’image assène au réel la représentation. La toile est une esquisse, mise au carreau, technique classique permettant le passage du dessin petit format à la toile monumentale. Neuf carreaux de large pour dix de haut le sujet est centré dans le cadre. Les éléments annexes sont en pointillés. Dans ces 90 carreaux, s’entame la réalité du peintre ayant à représenter ou à échouer face à la possible émergence d’image. Le combat c’est Velasquez ou Bacon mais pas la redondance photographique.

Philippe Mohlitz, L’atelier

Le Gouter des bourreaux, en 1979 constitue le pendant de L’Atelier, par la mise au carreau de l’image. Dans une pièce étroite quatre hommes déjeunent tranquillement pendant qu’un cinquième est attaché au mur. Sur la table, théière, cafetière, tranches de pains toastées, cigarettes, journaux et radio. La table en revanche, constitue la structure d’enferment destiné à se replier sur la victime des tortures commises. Entre le fond et la forme, le corps supplicié est pris au piège du pouvoir de l’action sur l’inaction ici imposée. Je ne reviens pas ici sur la question liant le moi peau et la torture déjà traitée : 

Ontologie foliacée – Apollon en scaphandre intergalactique (hypotheses.org)

Un grand rectangle (H 30.5xL23.8 cm) est divisé par les carrés carrelant une pièce vue en plongée, plaçant le spectateur face à la victime. La peau retirée et jetée au sol en bas à droite. La chair à vif est placée sur le revêtement du mur dont les protubérances semblent aspirer l’être.

La mise au carreau est le révélateur d’un jeu entre le fond et la forme faisant paraître par-delà le morcèlement.

Philippe Mohlitz, Le Gouter des bourreaux,

Le cadrage

Le Temple Incendié, 1983 présente en premier plan le cadre d’une porte de ville, percée à travers les fortifications. Monumentale, elle est entièrement sculptée de bas-reliefs à l’image des peintures de Pierre Alechinsky, le cadre et divisé en carrés narratifs répondant à l’image centrale. Sombre, elle reprend les bords de planche et introduit la perspective. Le spectateur est placé face à un temple à partir duquel s’échappe une épaisse fumée sombre. Du cadre au contenu, un jeu de déchiffrement permet de dégager le sens de l’œuvre. A la différence de la bande dessinée, il ne s’agit pas d’une narration, mais de l’exigeante prise en compte de chaque élément et symboles révélant le saccage et le viol des prérogatives.

Philippe Mohlitz, Le Temple Incendié

L’Appel, 2006 Fonctionne sur le même principe de focalisation de l’attention du spectateur à travers la succession en perspective d’une série de formes rectangulaires. L’appel, c’est le 6 ème plan qui dans un cri silencieux invective le premier plan. Pris au piège d’un rêve Kafkaïen entre cauchemar et réalité, le rêveur s’affole d’un réveil du mauvais côté du sommeil.

Le cadrage utilise le carré et rectangle comme une focalisation entre le spectateur et l’objet de la gravure, dont le sens ne se déplie que par l’interprétation du secteur. Cette recherche n’est pas sans rappeler les recherches plastiques de Duane Michals.

Philippe Mohlitz, L’Appel,

Juxtaposition

Le Grand Désordre, 1974 compose deux images dans le même espace narratif. Le décor théâtralise un monde en ruine traversé par la destruction et la mort. Une ligne verticale traverse le centre de l’image du bas vers le haut, interrompue par le rectangle d’une toile représentant une scène de guerre (Barry Lyndon). Le graveur, par l’utilisation de la peinture sans trompe l’œil met en comparaison deux temps de l’histoire du lieu confrontant le rectangle de la toile représentant le passé face au rectangle de la gravure dont elle est la conséquence. De la guerre au désastre, ne reste que l’histoire pour représenter l’effondrement d’une civilisation.

Philippe Mohlitz, Le Grand Désordre

Saint Hubert, 1995 La gravure illustre la chasse de ce seigneur oublieux de ses obligations. Lors d’un Vendredi Saint, il partit à la chasse et fut confronté à un cerf extraordinaire le conduisant à la conversion à Maastricht. Dans une forêt dense, au-dessus d’un lac, une pierre sur laquelle est représenté le crane d’un serf surmonté d’une croix. Ce rectangle, impeccable, évocateur des stèles dans les cimetières rappelle la mort dans un décor où la vie dans la nature est prégnante. A sa droite, Saint Hubert fixe la stèle comme étant à la recherche d’une réminiscence digne de Cervantès du sens à donner à l’apparition. En amont, et à l’image du cerf, un cheval dans la pierre.

Philippe Mohlitz, Saint Hubert

La Mission, 1995, représente une forêt prise dans un format carré au milieu de laquelle est punaisée la représentation probablement photographique d’un désert doté d’une église, trois crucifix et un chasseur. Si les deux représentations semblent contradictoires, par leurs points d’achoppement, elles correspondent. Image d’un avant/après plaçant l’histoire au centre des enjeux. Le monde à l’état de nature ou marqué du fer de la « civilisation » révèle la désertification des possibles au profit de ce que Gilles Deleuze considérait comme une société de contrôle, limitant l’expression de la diversité.

Philippe Mohlitz, La Mission

Rade, 2000, C’est la désertification des échanges. Une toute petite maison composée de bric et de broc, face à une étendue évoquant un fleuve sur lequel s’est échoué un gigantesque bateau. Du rectangle de la bâtisse à celui de la fenêtre, seul un homme paraît, fumant la pipe et buvant.  Ultime constat de ce que la société des amis apporte à l’authentique créateur.

Philippe Mohlitz, Rade

La juxtaposition permet d’introduire un espace narratif dans un décor en révélant les enjeux.

Confrontation

Autoportrait Pluriel, 1987, La composition du fond est similaire à celle de l’estampe C’est arrivé chez l’antiquaire : Mohlitz ajoutait, à l’analyse que j’en faisais, la référence à la composition intérieure des trains. Cela nous éclaire sur la place donnée au spectateur dans cette image. A la fois intérieure des ruines d’une maison et wagon d’un train posé sur les chemins de fer. Ainsi, l’avenir est derrière nous et regardons en face la fragmentation du passé. Véritable confrontation du spectateur avec ce qu’il n’a voulu voir, la multiplicité de l’être :

Le mariage de l’œil Américain et du troisième œil – Apollon en scaphandre intergalactique (hypotheses.org)

La lecture de l’image fonctionne comme Le temple incendié, 1983, confrontant les plans pour marquer les étapes de l’effacement. Cette disparition c’est à la fois celle de La fin du voyage,1974 présentant l’arrivée des trains dans un champ de destruction, non sans évoquer les camps de concentration. Également, celle de Le grand désordre, 1974 montrant le cheminement d’une vie interrompue sous peine de mort. À la vue des conséquences, la destruction se partage, non sans rappeler L’œuf du serpent D’Ingmar Bergman.

Là aussi, la voie est bloquée, marquant l’impossibilité d’un retour. La partie inférieure de l’image présente la matérialité de l’être, du trivial à l’outil du génial. La partie centrale est fractionnée en carrés et rectangles.  Ceux composant l’avant plan représente un portrait de femme, un cheval, un crâne, une fleur. Ceux qui composent la perspective sont des détails, représentant l’oreille gauche, l’œil gauche, la bouche, le nez l’œil droit, l’oreille droite, … se continuant dans le ciel, s’éclairant pour faire paraitre le front.

 Cet autoportrait confronte le spectateur au temps perdu.

Philippe Mohlitz, Autoportrait Pluriel

Jonas, 2002, Sur le squelette d’un poisson, une image rectangulaire. Y est présenté l’intérieur d’un atelier de gravure, table à dessin et diffuseur en témoignent. Au centre de l’image, dans ce qui s’apparente à un miroir, le visage de Mohlitz, comme une invitation à se reconnaitre en Humanité. Pas de bouteille jetée à la mer, mais la fuite d’une réalité trop brutale à voir, retranscrite dans la tranquillité de l’œuvre gravé. Echapper au monde pour mieux le confronter.

Philippe Mohlitz, Jonas

Assaut, 2010, Au centre d’un format carré, Mohlitz travaille dans la diffraction d’un rectangle.  Seul, il est au monde. Tout un peuple d’insectes, c’est-à-dire selon Gilles Deleuze, d’être ayant des mondes constitués de leurs limites, répondant à des stimuli précis et ordonnés, viennent pour se nourrir de l’image abandonnée.

Philippe Mohlitz, Assaut

Dans la confrontation Mohlitz met le spectateur face à l’image le laissant libre d‘en déplier les conséquences.

L’incise permet à Mohlitz de confronter les mondes par la juxtaposition des représentations transcrivant pour le spectateur une vision ainsi partagée.

Image à dessein

Downside-Up

Xavier-Aurélien Racine, 11/05/2022
Xavier-Aurélien Racine,11/05/2022

I looked up at the tallest building
Felt it falling down
I could feel my balance shifting
Everything was moving around
These streets so fixed and solid
Ah shimmering haze
And everything that I relied on disappeared

Downside up, upside down
Take my weight from the ground
Falling deep in the sky
Slipping in the unknown
All the strangers look like family
All the family looks so strange
The only constant I am sure of
Is this accelerating rate of change

Downside up, upside down
Take my weight off the ground
Falling deep in the sky
Slipping in the unknown

I stand here
Watch you spinning
Until I am drawn in
A centripetal force
You pull me in

Pull me in
Pull me in
Pull me in
Pull me in
Pull me in

Ovo ovo ovo
Ovo ovo ovo
Ovo ovo ovo

Ovo ovo ovo
Ovo ovo ovo
Ovo ovo ovo

Downside up
Upside down
Take my weight off the ground
Falling deep in the sky
Slipping into the unknown

Peter Gabriel

Image à dessein

The Book of Love


The book of love is long and boring
No one can lift the damn thing
It’s full of charts and facts and figures
And instructions for dancing


But I
I love it when you read to me
And you
You can read me anything


The book of love has music in it
In fact that’s where music comes from
Some of it is just transcendental
Some of it is just really dumb


But I
I love it when you sing to me
And you
You can sing me anything


The book of love is long and boring
And written very long ago
It’s full of flowers and heart-shaped boxes
And things we’re all too young to know


But I
I love it when you give me things
And you
You ought to give me wedding rings

And I
I love it when you give me things
And you
You ought to give me wedding rings
You ought to give me wedding rings

Peter Gabriel

Image à dessein

Sky Blue


Lost my time lost my place in
Sky blue
Those two blue eyes light your face in
Sky blue
I know how to fly, I know how to drown in
Sky blue
Warm wind blowing over the earth
Sky blue
I sing through the land, the land sings through me
Sky blue
Reaching into the deepest shade of
Sky blue


Sky blue
So tired of all this travelling
So many miles away from home
I keep moving to be stable
Free to wander, free to roam


Train pulled out said my goodbyes
Sky blue
Back on the road alone with the sky
Sky blue
There’s a presence here no one denies
Sky blue
Sky blue


Sky blue
So tired of all this travelling
So many miles away from home
I keep moving to be stable
Free to wander, free to roam


I can hear the same voice calling
Crying out, from my heart
And that cry, what a cry
What a cry, it’s going to be
If I can stop to let it out, oh

Peter Gabriel