Images à dessein

Xavier-Aurélien Racine

Il faut avoir vis-à-vis de l’oeuvre que l’on écoute, que l’on interprète ou que l’on compose, un respect profond devant l’existence même. Comme si c’était une question de vie ou de mort.

Pierre Boulez

Images à dessein

Devenir peintre

André Malraux, que je ne porte pourtant pas dans mon coeur, a dit très justement que l’on devient peintre non pas en regardant un paysage mais en regardant un tableau. C’est exactement la même chose en musique : vous devenez musicien en écoutant de la musique. Dès lors, vous serez toujours dépendant d’une certaine tradition historique, et vous vous insérerez dans une culture qui vous a nourri. Par la suite, soit vous saurez extrapoler, soit vous ne ferez que reproduire ce que vous avez déjà entendu.

Entretiens avec Michel Archimbaud de Pierre Boulez

Images à dessein

Le constructeur

Il y a des formes qui appartiennent en commun à toutes les activités d’ énonciations, et les analyses de Pierres Boulez, […], j’en ai eu le sentiment constant, […] amorçaient sans cesse la découverte et l’exploitation possibles de ces formes générales extensives à la musique, au texte, à la peinture et au geste. […]  je le dirai […] en ce qui me concerne […], il s agit pour moi de la possibilité excitante […] de rêver mais de bien rêver une sorte d’organone de la modernité.

Cependant, c’est mon second point, ce sera très bref, […]. Que l’analyse soit une opération purement cérébrale, il faut le rappeler, c’est là une vue purement mythique, issue très précisément de ce vieux mythe français  qui oppose la «tête» et le «cœur» ou si ont veut renouveler le cœur ont dit l’essence.

Roland Barthes

Images à dessein

Pierre Boulez, l’écran traversé

Xavier-Aurélien Racine

Le rapport de Boulez à l’histoire – je veux dire à l’histoire de sa propre pratique – était intense et batailleur ; pour beaucoup – et j’étais de ceux-là -, il est resté longtemps, je crois, énigmatique. Boulez détestait l’attitude qui choisit dans le passé un module fixe et cherche à la faire varier à travers la musique actuelle : attitude « classiciste », comme il disait ; il détestait tout autant l’attitude « archaïsante » qui prend la musique actuelle comme repère et tâche d’y greffer la jeunesse artificielle d’éléments passés. Je crois que son objectif, dans cette attention à l’histoire, c’était de faire en sorte que rien n’y demeure fixe, ni le présent ni le passé. Il les voulait tous deux en perpétuel mouvement l’un par rapport à l’autre ; quand il s’approchait au plus près d’une oeuvre donnée, retrouvant son principe dynamique à partir de sa décomposition aussi ténue que possible, il ne cherchait pas à en constituer un monument ; il essayait de la traverser, de « passer au travers », de la défaire dans un geste tel qu’il puisse faire bouger jusqu’au présent lui-même. « La crever comme un écran », aime-t-il à dire maintenant, en pensant, comme dans Les Paravents , au geste qui détruit, par lequel on meurt soi-même et qui permet de passer de l’autre côté de la mort.

Michel Foucault
Pierre Boulez, l’écran traversé
Dits Ecrits tome IV texte n°305

Images à dessein

Pierre Boulez à propos de Berg

Xavier-Aurélien Racine

Gilles Deleuze : Pierre Boulez à propos de Berg : «Ce qui est intéressant dans Berg par exemple, ce n’est pas qu’il ait conservé les grandes formes de la musique, mais qu’il les ait chargées de tellement d’ambiguïtés qu’elles prennent un autre sens et sont pratiquement détruites.

….

Un contenu musical qui soit un objet de destruction tout en chérissant l’objet qu’on détruit. S’il s’agit de Berg, on pense tout de suite à un cri de mort, un cri de mort musicalisé, à un cri de mort comme contenu proprement musical pris dans la forme de musique.

Un cri de mort, c’est celui de Lulu dans l’opéra de Berg, c’est celui de Marie dans Wozzeck de Berg».

Gilles Deleuze

Images à dessein

Compartiment C Voiture 293

Xavier-Aurélien Racine,

tu sembles si loin
si proche à la fois
dans l’ordre incertain
d’un silence bourgeois
voyageuse solitaire
entourée de mystère

les pages que tu lis
nous cachent ton regard
te cachent-elles aussi
qu’une guerre se prépare
voyageuse solitaire
entourée de mystère

est-ce que tu fuis dans ce train
quelque amant
qui chercherait à briser ton silence
est-ce que tu fuis dans ce train
quelque enfant
qui volerait ton indépendance

ton compartiment
reflète sans passion
ton comportement
de femme au salon
voyageuse solitaire
entourée de mystère

le soleil couchant
joue avec l’horizon
et tes sentiments
se cherchent une raison
voyageuse solitaire
entourée de mystère

est-ce que tu fuis dans ce train
quelque amant
qui chercherait à briser ton silence
est-ce que tu fuis dans ce train
des serments
prononcés lors d’une dernière danse

est-ce que tu fuis dans ce train
quelque amant
qui chercherait à briser ton silence
est-ce que tu fuis dans ce train
quelque enfant
qui volerait ton indépendance

Hubert Félix Thiefaine, Compartiment C Voiture 293

Images à dessein

Le marteau sans maître

Xavier-Aurélien Racine 25/10/2021

[…]

Bel édifice et les pressentiments

[…]

Des yeux purs dans les bois

Cherchent en pleurant la tête habitable.

René Char 

Images à dessein

Les Fleurs du Mal

Xavier-Aurélien Racine 18 09 2021

Souvent, pour s’amuser, les hommes d’équipage
Prennent des albatros, vastes oiseaux des mers,
Qui suivent, indolents compagnons de voyage,
Le navire glissant sur les gouffres amers.

A peine les ont-ils déposés sur les planches,
Que ces rois de l’azur, maladroits et honteux,
Laissent piteusement leurs grandes ailes blanches
Comme des avirons traîner à côté d’eux.

Ce voyageur ailé, comme il est gauche et veule !
Lui, naguère si beau, qu’il est comique et laid !
L’un agace son bec avec un brûle-gueule,
L’autre mime, en boitant, l’infirme qui volait !

Le Poète est semblable au prince des nuées
Qui hante la tempête et se rit de l’archer ;
Exilé sur le sol au milieu des huées,
Ses ailes de géant l’empêchent de marcher.”

L’albatros
Charles Baudelaire

Ceci n’est pas une photographie

Leonard Cohen

Leonard Cohen ( 21 septembre 1934, 7 novembre 2016) a composé une vision du monde romantique mais brutale, sentimentale mais emprunte de réalisme. Autant poétique que frontal, le regard traduit l’expression d’une vision tendue par l’oscillation des sentiments.

De la tradition à l’expression, Léonard Cohen a composé dans une perspective à double foyer la représentation en décalage d’un dialogue entre son histoire et l’expression d’un être au monde. A L’image de Samuel Pisar réécrivant le Kaddish pour Léonard Bernstein, Cohen réflechit dans un dialogue entre la contemporanéité des enjeux pour un Homme jeté au monde et la possibilité d’être post traumatique, comme Lover Lover Lover l’ affirme.

“II. Invocation

Mon Kaddish est celui d’un laïque, Seigneur,

Moderne, universel, œcuménique et adressé à Toi,

Ainsi qu’à Tes enfants tourmentés :

Juifs, Chrétiens, Musulmans et à tous les autres

– Croyants et non croyants –

Qui aspirent à la paix, la liberté et la justice

Dans notre monde génocidaire et fratricide

J’exprime cette lamentation avec une peine et une colère

Émanant de mon propre passé traumatique,

Et du déluge de haine, de violence et de peur

Qui nous submergent à nouveau”

Samuel Pisar
LEONARD BERNSTEIN
Kaddish (Symphonie no 3)

J’ai appelé mon père,
J’ai dit “Père, change mon nom,
Celui que je porte est tout couvert
De peur, de boue, de lâchée, de honte”.

Oh, lover, lover, lover, lover, lover, lover, lover, reviens vers moi.
Oh, lover, lover, lover, lover, lover, lover, lover, reviens vers moi.

Il dit “Je t’ai enfermé dans ce corps,
Je l’ai voulu comme une épreuve,
Tu peux l’envoyer comme une arme,
Ou pour rendre une femme heureuse”.

Oh, lover, lover, lover, lover, lover, lover, lover, reviens vers moi.
Oh, lover, lover, lover, lover, lover, lover, lover, reviens vers moi.

Laisse moi recommencer,
Oh, s’il te plaît,
Cette fois, je veux un beau visage,
Et dans mon âme, je veux la paix.

Oh, lover, lover, lover, lover, lover, lover, lover, reviens vers moi.
Oh, lover, lover, lover, lover, lover, lover, lover, reviens vers moi.

Il dit “Je n’ai pas lâché, tu sais,
Je n’ai pas tourné la page,
C’est toi qui a bâti le temple
Et couvert mon visage”.

Oh, lover, lover, lover, lover, lover, lover, lover, reviens vers moi.
Oh, lover, lover, lover, lover, lover, lover, lover, reviens vers moi.

Et fais que cette chanson
S’élève haut et pur d’esprit,
Qu’elle soit un bouclier pour toi,
Une arme contre l’ennemi.

Oh, lover, lover, lover, lover, lover, lover, lover, reviens vers moi.
Oh, lover, lover, lover, lover, lover, lover, lover, reviens vers moi.

LOVER LOVER LOVER – LÉONARD COHEN

Leonard Bernstein, Juif laïque et Leonard Cohen, Juif pratiquant dévelloppent une invocation rappelant les souffrances endurées et l’espoir d’ amour, de paix, de liberté et de justice.

Le lien entre le texte de Léonard Bernstein et Léonard Cohen passe par un dialogue entamé avec Dieu autour des souffrances infligées à son peuple et une quête d’espoir.

Léonard Cohen à la différence de Léonard Bernstein constitue un dialogue.

La beauté nous sauvera du monde

C’est en soi que paraît la beauté esthétique offerte en partage dont l’expression nous sauvera du monde.

«Je suis quelqu’un de faible, et j’ai besoin d’une discipline de vie très stricte, sinon je plonge dans le chaos.» Léonard Cohen

L’artiste dans le corps social est confronté au désir et à l’impuissance d’en exprimer la matérialisation.

L’homme au monde est pris au piège d’une existence sociale dont les implications peuvent être contraires à ses désirs . Machiavel le conceptualise avec la Fortune, concept qui rend compte de l’impuissance de la volonté à atteindre l’expression de ses attentes.

A l’image des mystiques et des Stoîciens, opérer le détachement des désirs pour n’être plus l’objet de “la Fortune [qui] élève un homme au sommet et le jette à terre, afin qu’elle en rit et qu’elle en pleure.” (Machiavel)

Atteindre l’ataraxie exprimée par l’équanimité, évite la soumission aux variations d’être.

Et bien qu’elles soient ainsi furieuses en quelque saison, pourtant les hommes, quand le temps est paisible, ne se laissent pas d’avoir la liberté d’y pourvoir et par remparts et par levées, de sorte que, si elles croissent une autre fois, ou elles se dégorgeraient par un canal, ou leur fureur n’aurait point si grande licence et ne serait pas si ruineuse. Ainsi en est-il de la fortune, laquelle démontre sa puissance aux endroits où il n’y a point de force dressée pour lui résister, et tourne ses assauts au lieu où elle sait bien qu’il n’y a point de remparts ni levées pour lui tenir tête

Discours sur la première décade de Tite-Live, MACHIAVEL,Œuvres complètes, Bibliothèque de la
Pléiade, Gallimard, 1952, XXV, p.365

Le détachement par le bouddhisme consiste à «renoncer au monde et mener une vie sainte».

Leonard Cohen pratiquait le Bouddhisme Rinzai -zen avec kyozan Joshu Sasaki, lui imposant l’exigence d’une ascése.

Aux Koans posés par le maître, le disciple propose une réponse résultant de sa méditation propice à l’éveil.

Par la pratique du bouddisme, c’est la nécessité de fixer le regard, de construire un dialogue composant l’oeil Amériquain et l’Urna (le troisiéme oeil ) afin de voir, le temps d’un clignement, les principes de l’être. Le détachement se constitue par la distinction en miroir de l’objet avec son idée, annulant leur emprise par la connaissance.

L’expression du désir se maintien comme un fil tendu entre sa connaissance et sa prise en compte.

La confrontation du Judaïsme et du Bouddhisme a été un enrichissement non contradictoire.

« Eh bien, d’une part, dans la tradition du zen que j’ai pratiquée, il n’y a pas d’adoration priante et il n’y a pas d’affirmation d’une divinité. Donc, théologiquement, il n’y a aucune contestation à aucune croyance juive. “

De la judaïté au bouddhisme, c’est de l’attachement à Dieu au détachement à l’être qui constitue le mouvement d’une ontologie qui chemine.

De poussiére à image

Rabindranath Tagore (7 mai 1861 – 7 août 1941)

Brahmane Bengali de Calcutta en Inde, était Philosophe, dramaturge, compositeur, poète, peintre. Rabindranath Tagore développe un Humanisme qui refond les représentations du monde dans un nouveau moule carracteristique des enjeux contemporains.

Xavier-Aurélien Racine, Fusin sur papier

« Litterateuritinérant » selon Dutta et Robinson, rappelant que les chemins de la connaissance passent par delà la perception des territorialités multiples dans un recoupement par le troisiéme oeil d’une synthése des possibles donnant naissance à un monde renouvelé.

Il s’est opposé à l’impérialisme Britannique en maintenant une volonté déchanges avec les pays tiers.

Je répète donc que nous ne pourrons jamais avoir une vraie vision de l’homme à moins d’avoir un amour pour lui. La civilisation doit être jugée et prisée, non pas par la quantité de pouvoir qu’elle a développée, mais par la mesure dans laquelle elle a évolué et donné son expression, par ses lois et ses institutions, à l’amour de l’humanité.

Sādhanā: The Realisation of Life, 1916, p. 111.

BLOW UP

L’image témoin

“Les yeux et les oreilles sont pour les hommes de piètres témoins s’ils ont des âmes qui n’en comprennent le langage.” Héraclite

A partir d’une diffamation littéraire, Sardanapale est  l’envers du réel affirmé comme caractéristique historique et ontologique. A l’image des contes de voltaire, c’est une parabole pour traduire au loin la réalité qui nous affleure, celle du mépris face à l’ Homme ici historiquement contradictoire.

La tragédie de Sardanapalus selon ces vers de Lord Byron sont la conséquence d’une confusion dans l’interprétation de ce qui est entendu et vu.

Je pensais avoir fait de ma règle inoffensive une ère de paix douce au milieu des annales sanglantes, un point vert au milieu des siècles désertiques, sur lequel l’avenir se retournerait et sourirait, et cultiverait, ou soupirait quand il ne pourrait pas rappeler le règne d’or de Sardanapalus.

Je pensais avoir fait de mon royaume un paradis, et de chaque lune une époque de nouveaux plaisirs. J’ai pris les cris de la racaille pour l’amour – Le souffle des amis pour la vérité – les lèvres de la femme pour Mon seul guerdon – ainsi ils sont, ma Myrrhe:[Il l’embrasse]

Embrasse-moi. Maintenant, qu’ils prennent mon royaume et ma vie!

Ils auront les deux, mais jamais vous!

Acte 4, sc. 1, ligne 511.

“Pour les âmes, mourir c’est se changer en eau; pour l’eau, mourir c’est devenir terre; mais de la terre vient l’eau, et de l’eau vient l’âme.”

 Héraclite

“Ce monde-ci, le même pour tous les êtres, aucun des dieux ni des hommes ne l’a créé; mais il a toujours été et il est, et il sera un feu toujours vivant, s’allumant avec mesure et s’éteignant avec mesure.”

 Héraclite

La mort de Sardanapale peinte par Delacroix retrace le conte de Sardanapalus, le dernier roi d’Assyrie, de la bibliothèque historique de Diodore de Sicile, l’historien grec antique.

Eugène Delacroix transcrit la réunion des richesses conduites à l’ anéantissement. Les corps sont meurtris et laissés à l’inerte.

La toile évoque le cycle des transmutations entre les éléments, terre , eau  constituant l’âme dont l’évolution est permise par le feu, constitué comme principiel.

La peinture de Delacroix  reflète cette modalité ontologique, montrant sur un fond froid, peint dans une couleur terreuse, un grand lit  recouvert d’étoffes  rouges traversant la toile du haut gauche au bas droit de l’image. Cette diagonale est parsemée de corps peints dans des teintes ocre jaune. Du sombre au clair, du froid au chaud c’est une diagonale de lumière incandescente rappelant l’intensité, la violence et la confusion d’un brasier transcrit en couleurs.

Sans la moindre présence de flamme, c’est la métaphore du feu Héraclitéen induisant la transmutation des valeurs.

“Le feu est la monnaie de toutes choses et toutes choses sont la monnaie du feu, comme l’or pour les marchandises et les marchandises pour l’or.”

 Héraclite

Frenhaufer comme Sardanapalus sont pris au piège des perceptions. Leurs contemporains n’y voient plus rien. L’artiste incompris de ses contemporains  qui refusent l’effort nécessaire au spectateur pour déchiffrer la nouveauté, ne semble avoir que deux choix, laisser son œuvre au hasard du temps ou disparaître avec elle.

Réponse romantique   digne de la malédiction supposée de l’ontologie artistique, le feu emporte les différences en fumée pour ne laisser que cendres. De l’autodafé écrasant à l’auto crémation c’est l’expression des possibles qui s’effacent sous le poids des contemporains.

La politique esthétique du bûlis, prétention à écraser la diversité au profit d’un discours unique a trouvé son paroxysme dans le futurisme Italien .

“Nous voulons démolir les musées, les bibliothèques, combattre le moralisme, le féminisme, et toutes les lâchetés opportunistes et utilitaires.”

Manifeste du futurisme, Le Figaro, 20 février 1909. de Filippo Tommaso Marinetti

“Nous sommes sur le promontoire extrême des siècles !… À quoi bon regarder derrière nous, du moment qu’il nous faut défoncer les vantaux mystérieux de l’Impossible ? Le Temps et l’Espace sont morts hier. Nous vivons déjà dans l’absolu, puisque nous avons déjà créé l’éternelle vitesse omniprésente.”

Manifeste du futurisme, Le Figaro, 20 février 1909. de Filippo Tommaso Marinetti

Faire disparaître la diversité des représentations spatio-temporelles réunies dans un lieu à un moment donné au profit de l’actualité c’est renoncer à la richesse du multiple, et le sens de son apparition.

Le futurisme, c’est  dans le mouvement constant, l’assaut du temps dans l’espace  annihilant l’art de flâner qui, d ’Épicure à Kant, constitue le trait d’union entre  l’ être, la pensée et l’art, libérés des contraintes de rentabilité, en arts platiques, en peinture, gravure et photographie jusque dans l’art des jardins.

“L’art des jardins n’est rien d’autre que celui d’orner le sol avec la même diversité (herbes, fleurs, arbustes, arbres, des eaux mêmes, coteaux et vallons) que celle avec laquelle la nature le présente à l’intuition, mais en l’ordonnant d’une autre manière et conformément à certaines idées. Or un tel arrangement de choses matérielles n’existe que pour l’œil, comme la peinture “.

Kant, La Critique de la faculté de juger, analytique du sublime, (§ 51)

“Il semble étrange que l’on puisse considérer l’art des jardins comme une espèce de l’art pictural, bien qu’il présente ses formes corporellement ; or puisqu’il emprunte réellement ses formes à la nature (les arbres, les arbrisseaux, les herbes et les fleurs aux champs et à la forêt, du moins à l’origine) et dans cette mesure n’est pas un art comme la plastique, et qu’il n’a pas comme condition de la composition un concept de l’objet de sa fin (comme c’est le cas de l’architecture), mais le seul jeu de l’imagination dans la contemplation, il s’accorde en ce sens avec la pure peinture esthétique, qui n’a aucun thème déterminé (composant de manière divertissante l’air, la terre et l’eau par la lumière et l’ombre).

Kant, La Critique de la faculté de juger, analytique du sublime” (§ 51)

Considérer la destruction, le brûlis comme base d’un renouvellement esthétique est une contradiction avec le principe d’histoire de l’art.

Le feu de l’artiste n’est pas celui de la société contraignant la transmutation de l’ œuvre par delà la catastrophe de Turner ou  Hubert Robert au vide de l’ inconnu. Détruire  peinture, livres, jardins, c’est mettre les fondement de l’art à feu, au profit de l’ actualité.

Le stoïcisme de l’artiste, à l’image d’ Héraclite constitue le feu de l’expression peinte, gravée ou photographiée, transcrite dans un langage constamment renouvelé.

L’objectivité contemporaine.

La posture esthétique contemporaine est marquée d’une objectivité renouant avec l’idée portée par la renaissance, d’un artiste Humaniste, mettant son art en écho avec l’histoire et les cultures.

La mort de Sardanapale d’Eugène Delacroix et repris par Jeff Wall dans sa photographie Distroyed room

Jeff Wall inverse le parti pris de Delacroix  induisant  l’ embrasement  comme principe secondaire, encerclant la scène. Plus fidèle à la narration, les couleurs chaudes encerclent une scène aux couleurs froides.

Comme par un jeu de miroirs,  de l’ action destructrice, il n’en reste que la trace.

Vêtements et accessoires divers sont jetés pêle-mêle,  lunettes de soleil, chaussures, chapeaux, vêtements variés, mettant à terre les vanités contemporaines dans l’ indifférence de leurs abandons.

 Les blessures infligées aux corps sont transposées dans la diversité des multiples métamorphoses du moi-peau. Le matelas, tel une toile de Fontana, est lacéré de part en part. La table est jetée sur sa tranche, les rideaux et le papier-peint sont arrachés.

Le désordre apparent laisse entrevoir une représentation contradictoire, une statuette d’une femme, objet de la destruction chez Delacroix, ici, debout, toujours maître de l’équilibre et ouvrant l’espoir par delà la perception de l ’œil Américain, celle d’un troisième œil à composer.

Jeff Wall, en cohérence avec Mickael Fried nous confronte à une histoire sans acteur, aux faits sans narration.

D’Eugène Delacroix à Jeff Wall c’est la théâtralité qui est en jeu. Le premier induisant par un jeu d’acteurs l’histoire perpétuellement répétée face au spectateur. Le second ne laisse place qu’au décor ouvrant aux multiples interprétations. Le spectateur  doit recomposer les possibles d’une histoire en fonction de son regard ouvrant l’ interprétation de sardanapal aux scènes de vandalismes.

Distroyed room est une œuvre charnière exprimant un tissus de référents indépendamment de modèles.

Faire du contexte l’objet de l’histoire à découvrir ou recomposée constitue l’enjeu du travail de Thomas Demand

Les décors sont reconstitués en papiers à partir d’  images d’archives puis éclairés et  photographiés de manière à en dégager toute la tension dramatique indépendamment de l’action.

Le procédé rappelle  celui employé par Francis Bacon, peignant le cri plutôt que les raison de son expression.

L’image montre et dénonce par un redoublement d’une réalité exprimée.  L’artiste engage un discours dont le développement appartient au spectateur.

Un mémorial au temps perdu

Chopin Waterloo de l’ artiste Arman synthétise et transcrit en œuvre l’ontologie d’une société post génocidaire capable d’anéantir les efforts de productions et de créations au profit de l’image des structures mises à nues.

Eugène Delacroix, Jeff Wall, Thomas Demand constituent l’image en miroir d’une réalité mise en confrontation avec le spectateur. Arman réalise une mutation de perspective mettant le spectateur face à une réalité qu’il devrait piétiner. Le piano détruit à coups de masses et mis à terre comme l’anéantissement d’une culture devient l’image rappelant au spectateur sa passivité.

En détruisant le piano,  Arman comme Pollock, anéantit le principe de chevalet, mettant  la production à terre en quette de nouveaux chemins de transcription de la violence faite par la réalité à montrer. C’est le dialogue entre la représentation et le spectateur qui devient l’enjeu de l’artiste.

La destruction est laissée comme le mémorial d’un fragment d’histoire dans la continuité de l’émergence esthétique.

Arman avec sa production SPIRIT OF YAMAHA synthétise deux opposés non contradictoires. Le piano représente l’expression de la musique savante et la moto qui, à l’image des Harley-Davidson, écrase l’espace par le son évoluant avec le mouvement.

“On The Road Again” ou SPIRIT OF YAMAHA c’est l’ impossibilité de fixer la ligne hors d’un équilibre fragile, à la manière de la Lettre à Élise de Beethoven, toujours à la limite de effondrement.

A l’horizon, l’espoir d’une terre d’accueil ouverte aux artistes,

L’ exposition “Le Juif errant Un témoin du temps, exposition au Musée d’art et d’histoire du judaïsme”,  du 24 oct.2001 au 24 fév.2002 questionnait le rapport entre la représentation diffamatoire et la construction d’une image stigmatisant afin d’exclure de la communauté des Hommes un groupe discriminé sur un principe raciste permettant l’expropriation ouvrant à l’accaparement, au vol, et à la destruction de l’image d’une histoire.

Le catalogue ouvre de l’engagement religieux à une conception libertaire autour du rapprochement fait avec la toile de Gustave Courbet intitulée Bonjour Monsieur Courbet. Nombre de détails relient ces deux problématiques. L’autoportrait fait par le peintre le présente la barbe longue, chapeau à la main, sac à dos, trahissant la longueur du voyage soutenu par son bâton de marche. Solitaire, le chemin s’ouvre à lui. Le mode de déplacement pédestre est accentué par la présence d’une caravane ouvrant le chemin à l’horizon droit du tableau.

Le peintre, semblable à l’errance du Juif est condamné à la marche pour déplier le paysage de potentiellement activer le processus permettant de l’accoler à la surface plane de la toile. Courbet fut inspiré par une estampe de Pierre Le Loup du Mans de 1831 intitulée Les Bourgeois de la ville, parlant au Juif errant.

Gustave Courbet, Bonjour Monsieur Courbet, huile sur toile, 132*150.5 cm, 1854, Musée Fabre, Montpellier.

Courbet évacue de son image l’ argumentaire religieux pour ne s’intéresser qu’ à ce qui dans la représentation évoque l’errance. Présente comme une modalité d’être au monde, elle traduit le renouvellement du rapport qu’entretien l’artiste avec son contexte social.

C’est d’une manière générale, jusqu’au cours du XVIII° siècle, l’artiste dépendait de mécènes pour lesquels il avait la tâche de répondre à des commandes, garantissant le financement de l’ œuvre. En revanche, la production du XIX° siècle, s’établit de manière plus libérale, l’artiste propose à la vente des œuvres dont la garantie esthétique est affirmée par le soutien de critiques prestigieux. L’ œuvre devient alors le produit d’un travail dont la valorisation est laissée à des marchands d’art qui auront la responsabilité d’en garantir la distribution et la vente.

Face au mépris, à la haine, à la destruction il ne reste que la possibilité d’un chemin à tracer en quette d’une terre d’appartenance à l’art, laissant les reliques de la destruction comme des mémoriaux aux histoires du temps présent.

L ’œil Américain et le troisième œil marient vision, compréhension et transcription pour donner naissance à une représentation signifiante du monde.

 L’artiste, l ’intellectuel, l’ Homme appartient à la terre qui l’ accueille et lui promet les possibilités d’expressions.

Remasterisation numérique

Un si fragile vernis d’humanité

Le numerique à permis, simplifier, via la retouche, l’ouverture à la reprise des images dans une continuation de l’expression initiale renouvelé.

Xavier-Aurélien Racine, Photo 2008, Reprise 2021

Ceci n’est pas une photographie

Grace Jones, la reine de la nuit

Xavier-Aurélien Racine, A3, janvier 2021

“Rihanna a reproduit la séquence de body-painting que j’avais faite avec Keith Haring. Mais là où il peignait directement sur mon corps, elle utilise une combinaison peinte. Voilà la différence. Elle dresse une barrière entre la peinture et sa peau.” ( “Je n’écrirai jamais mes mémoires”, Grace Jones, Editions Séguier)

Avec Grace Jones, l’esthétique est prise dans une ontologie appelée à faire corps avec le monde, actualisant dans les rapports particuliers une recherche d’universalité  principielle et fondamentale . A l’image ” The Pillow Book”, de Joel Peter Greenaway le corps est la surface d’inscription de l’ œuvre au monde, faisant de la relation créatrice émanation de l’universel par delà  la conceptuelle corporéité de l’ œuvre.

Du corps “hors race et hors genre”, “Ma tête rasée me faisait paraître plus abstraite, moins liée à une race, un sexe ou une tribu spécifique.”  désubstantialisé à l’image du “corps sans organes” à l’émergence  de l’ œuvre,  il devient la synthèse permettant  la métamorphose de l’être en sa représentation Idéale. 

L’affirmation de la  représentation annihile le réel au profit d’une sur-réalité transgressive, transhistorique, transgenre, transdisciplinaire.

Ainsi, Grace Jones c’est la reine de la nuit New Age, androgyne et à la croisée des univers  exprimant  tout à la fois une personnalité affirmée et romantique. 

C’est l’expression d’une vie qui se traduit dans et par la représentation figurée dans le paraître au monde, travaillant à libérer les possibles des figures de styles imposées. 

Grace Jones est née en 1948  à Spanish Town en Jamaïque dans une famille engagée en politique et dans le pentecôtisme, cadre  stricte.

Mannequin, chanteuse, actrice, égérie, elle est la croisée des regards, composant entre troisième œil et œil américain, l’image d’une femme forte. “ Certains artistes séduisent le public, flattent le public, implorent le public, Grace, vous violez le public, votre spectacle est un assaut sexuel.” “Dinah Shore Show”, Orson Welles .

Construction d’une image, véritable peau de représentation qu’elle revêt pour  se donner à voir. Robert Mapplethorpe, Andy Warhol, Keith Haring,  Jean-Paul Goude (avec qui elle aura un fils) ont tissé l’étoffe d’une représentation forte de la femme libre et autonome, qui par delà les fétichismes, et scandales comme  “Do not feed the animal” délivre l’affirmation d’un féminisme viril.

Ainsi, Grace Jones, c’est la première femme d’avant son apparition. Lilith avant Ève, celle qui à l’égal de l’homme s’affirme et s’impose dans sa vie comme dans sa sexualité. Thème si important qu’on en retrouve une représentation dans la production de Gerhard Richter.

Grace Jones produit une oeuvre d’art total, et questionne les modalitées de l’art plastique par sa recherche d’une héterogenéité de couleur de peau, de genre, aboutissant à l’éclatement de la figure. Comme effective avec Francis Bacon, Bill Brandt et André Kertész la dillution de la forme dans le fond constitue une déformation optique révélatrice du rapport du corps dans l’espace.

La Trahison des images

L’affaire des fées de Cottingley

“ça à été” Roland Barthes

C’était un samedi après-midi pluvieux, nous étions en train de nous amuser avec les appareils photographiques et Elsie n’avait rien prévu. J’ai vu ces fées dans les herbes, je les ai juste visées avec l’appareil et j’ai pris une photographie.

Déclaration de France Griffiths à Joe Cooper au début des années 1980

Les photographies ont été réalisées à partir de 1917 par deux cousines , Elsie Wright ( 16 ans) et  Frances (10ans). Polly (la mère d’Elsi) et son mari Arthur prêtent un appareil photo, ( Midg quarter-plate) afin qu’ elles puissent démontrer la véracité de leurs affirmations quant à l’éxistence des Fées

Ainsi, elles tentent de prouver qu’elles observent régulièrement les fées près de Bradford, dans le Yorkshire  en  Angleterre.

De l’affirmation à sa démonstration, c’est le prima d’objectivité supposé à la photographie qui en confirme la véracité.

Le spectateur pris à témoin de la rencontre fortuite d’une adolecente et d’une fée, est pris au piége dans le cadre, mélant la confusion entre poésie et réalité.

Artifice

Sir Conan Doyle prit parti pour les photographies en tant que révèlatrices de forces surnaturelles, utilisant l’image comme argument en faveur du spiritisme.

La reconnaissance de leur existence va bousculer l’esprit matérialiste du xx e siécle hors de ses ornières boueuses et lui fera admettre qu’il y a du charme et du mystère dans la vie. Ayant découvert cela, le monde ne trouvera pas si difficile d’accepter le message spirituel, étayé par des preuves matérielles, qui lui a déjà été présenté.

Sir Conan Doyle, The strand Magazine , décembre 1920

Le spiritisme fit l’objet de conflits portant sur la tromprie des images, et en conséquence des gens conduits à les croire.

Si vous, Sir Conan Doyle, croyez aux fées,
Dois-je croire en monsieur Sherlock Holmes ?
Si vous croyez que l’air autour de nous
est plein d’elfes , de petits hommes et de gnomes, 
alors, dois-je croire aussi au docteur Watson,
dans les bandes tachetées et ce genre de choses ? Oh non, mon chapeau !
Bien que tous les t soient barrés et les i aient leurs points dessus,
je ne peux tout simplement pas le faire, Sir Conan. C’est ainsi !

J. E. Wheelwright

À l’évidence, je n’hésite aucunement à dire que ces photos pourraient avoir été « truquées ». Je critique l’attitude de ceux qui ont déclaré qu’il y a quelque chose de surnaturel dans les circonstances qui entourent la prise de ces photos, car en tant que médecin , je crois qu’imprégner l’esprit des enfants de ces idées absurdes se traduira plus tard par des troubles nerveux et des troubles mentaux.

 John Hall-Edwards Birmingham, Weekly Post

Le jugement de John Hall-Edwards Birmingham, pionnier dans l’utilisation médicale des rayons X, marque l’opposition entre scientifique et spiritisme, entre objectivité et transcription.

A travers l’objectif, c’est la nature de l’oeil qui est en question, de l’Américain par la straight photography au troisiéme oeil provoquant un retournement du perçu sur lui-même pour donner à rendre perceptible.

L’image capte une représentation devenue réalité dans le possible des transcriptions saisies. Créatures désincarnées anthropomorphes païennes, prennent vie dans l’image, comme une invitation à considérer le monde comme un espace ouvert aux possibles dépassant le mot.

Si l’image trahit le réel dans la représentation, c’est au profit d’une vérité du coeur liant naturel et surnaturel afin que l’énigme de l’être constitue la pierre d’achoppement de l’éxistant.

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